La tensión dramática

27 diciembre, 2010 Deja un comentario

El otro día después de ver (más bien, mientras veía) “Caché”, película del director Michael Haneke (película que podría sumarse a las recomendadas), vino a mi mente este tema, que había olvidado mencionar antes y que, a decir verdad, es muy importante en la composición de un filme: la tensión dramática que se logra conseguir con los planos y la duración de éstos. Quizá el título del post suena algo pretensioso, pero no he sabido cómo más nombrarlo.

Si bien es cierto, antes ya he dicho algo acerca del tema, he considerado pertinente hacer un acercamiento más amplio.

Si notamos, podemos por ejemplo, caer en cuenta que las tomas estáticas, generales y largas, consiguen generar un sentimiento de angustia en el espectador, que funciona muy bien con los filmes de suspenso o terror del tipo más psicológico, por ejemplo. Así es que, extrapolando el tema, podemos también pensar que tales tomas facilitarían el tratamiento por tanto, con los actores, colaborándonos en el crecimiento de la tensión en la hisoria, provocando altos en medio del desarrollo, a fin de sujetar a quien observa nuestro proyecto.

Las tomas estáticas, sin embargo, siempre deben ser utilizadas como elementos estrictamente necesarios, es decir, como todo en el cine, debe ubicársele dentro del film en momentos necesarios y donde tal propuesta sea necesaria pues la tensión dramática se facilita a través de esa expectación impotente. Para ejemplificar lo que menciono, es recomendable ver las películas de Jim Jarmusch, “Caché” (que ya mencioné al comienzo del post), “Elephant” de Gus Van Sant o en momentos la propuesta de Kim Ki Duk, en “Primavera, verano, otoño, invierno y… primavera” o en “La Isla”, por ejemplo.

A continuación, pondré algunos trailers de películas recomendables donde encontramos estas propuestas narrativas.



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El contraste en la fotografía (elemento dramático)

12 diciembre, 2010 2 comentarios

Otro elemento a tener en cuenta, cada vez que se realice un trabajo audiovisual, es el tema del contraste fotográfico, es decir, el valor de luz en un plano, entre el lugar más iluminado y el menos iluminado. Mientras más amplio sea el rango, más tensión dramática se consigue con la toma, por ejemplo, no se necesita de un largo diálogo, monólogo o soliloquio, si es que tenemos el rostro del personaje con un valor de contraste altísimo, para conseguir incrementos dramáticos en la narración.

Para entender el trabajo del contraste, considero es de mucha ayuda ver los filmes de Clint Eastwood, un director que, si bien es cierto, es mayormente actoral, tiene un manejo muy adecuado de la fotografía, un manejo preciso, sin exageraciones ni preciosismos, sino exacto, necesario, prolijo, y, por tanto, admirable.

Adjunto dos trailers de las películas donde me parece funciona de manera (casi) didáctica ese manejo fotográfico al que me he referido.

 

 

 

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Wong Kar Wai y el cine de la estética fotográfica

10 diciembre, 2010 Deja un comentario

No quiero que el título se mal entienda, por lo que diré que Wong Kar Wai no representa simplemente a un director que maneja de formas inimaginables el dinamismo de la estética fotográfica en sus filmes (característica, ya, por demás sorprendente) sino, que también es un gran creador de historias, montajes y un increíble constructor de ambientes, de escenarios.

Ahora bien, me he querido enfocar en la cosntrucción de su diseño fotográfico, porque, pienso, es un elemento del que podemos sacar pautas para aplicarlas en nuestras producciones (no como una copia, si no como una guía semiótica didáctica para generar, luego, nuestros propios diseños fotográficos). Para anotar ciertas claves a visualizar en sus filmes, considero que son de mucha ayuda sus diseños lumínicos, por ejemplo, con esos brillos de otro color para dar volúmen a lo que se halle en cuadro, es decir, una lucecita, no siempre debidamente justificada, que sirva como resaltador en la toma, pero que no intervenga dentro de la composición principal de la luz; o los diseños de planos desbalanceados que, a través de la reiteración en el filme, al igual que las luces de resalte, dejan de parecer descuidos y se constituyen en verdaderos recursos fílmicos. 

Por lo tanto, la recomendaciones, se extienden a todos sus filmes, pero colgaré a continuación un par de trailers, exceptuando el de Chung King Express (una de las películas donde más se presenta la capacidad transformadora de su fotografía) porque ya lo colgué antes, en un post anterior.

Sería bueno que vean, cómo construye sus planos y los pequeños movimientos, que son muy útiles dentro del cine de bajo presupuesto, por su carga emotiva sin necesidad de grandes maquinarias.

Para no seguir “dando lata”, les dejo con los videos.

 

De los actores

8 diciembre, 2010 Deja un comentario

 

Empiezo este post mencionando a  Stanislavsky (sólo mencionándolo puesto que me ha sido imposible encontrar una foto suya), para marcarlo como referencia en el mundo de la actuación, para que se interesen en sus textos, puesto que les serán de mucha ayuda en el momento de la actuación, se esté frente o detrás de las cámaras.

Pasando del aspecto más teórico de la actuación -que es absolutamente necesaria si es que se quiere hacer cualquier arte interpretativa de manera respetuosa-, vamos al aspecto más práctico. Teniendo en cuenta que no dispondremos de actores profesionales, ni mucho menos, teniendo en consideración que la mayoría de nuestros actores serán amigos absolutamente amateurs, hay que pensar en el tema interpretativo desde la escritura del guión, es decir, toda historia que creemos, puede tener un manejo narrativo de emotividad a partir de las tomas, y no de la expresividad actoral.

Así, convendría que todo se conforme a partir de los planos (Generales, Medios, Primeros y Detalles), para que las tensiones dramáticas dentro del proyecto, sean marcadas por las situaciones y los giros situacionales, destrucciones de la rutina.

Conviene para la explicación, revisar filmes del neorrealismo italiano, o la nouvelle vague de Francia: movimientos cinematográficos donde el uso de los actores queda restringido a la utilidad de la historia, sin desmerecer la actuación muy bien lograda por ellos, que depende (u obedece) en gran parte a la lucidez de sus directores.

Cuelgo dos trailes de nuevas recomendaciones.

Emir Kusturica y el cine de autor

7 diciembre, 2010 2 comentarios
Cineasta, músico y adicto al fútbol

foto: Cosmovisión

Emir Kusturica es, si cabe el lema, el non plus ultra del cine de autor, liberado de límites temáticos o exigencias de auditorios, salas, festivales. El director de cine (nacido en la ex-Yugoslavia) se constituyó en el consentido de Europa, y el mundo, después de un debut cinematográfico espectacular con su cinta “Do you remember Dolly Bell?” (una historia de constantes ausencias) y un segundo filme, ganador de Cannes, “When father was away on bussiness” (otra historia construida en el límite de lo verosímil).

Todos sus filmes son de revisión obligatoria, además de ser auténticas obras de arte fílmico, son manuales de escritura, dirección, montaje y estética para cualquiera que se disponga a hacer cine de autor, cine inteligente, detallista y emotivo.

Para continuar con la temática del blog, es decir, de recomendaciones y asuntos útiles para la producción cinematográfica propia, puedo anotar lo siguiente: cuando vean las películas de E. Kusturica fíjense en el manejo de planos que tiene, en la propuesta de intensificación a partir de giros en la historia y no el dinamismo visual (muy del estilo hollywood ese dinamismo por cierto, muy fast and furious). Ahora, evidentemente, la composición fotográfica de Emir, es muy avanzada para cualquier amateur, pero revisen ese estilo de construcción fílmica, véanla y aprovéchenla, sobre todo, extraigan esa continuidad de planos,  es decir, en términos literarios, la combinación en la composición de versos (planos) a,b,a… etc.

Dejare colgando un par de trailers.

       

Fotografía -textura y color-

6 diciembre, 2010 Deja un comentario

Definamos un par de principios para conseguir buenas fotografías:
1. La cantidad de textura que se consiga en la toma, es decir, los dobleces, el movimiento, la apreciación de los detalles del objeto fotografiado. Esto se consigue -casi en su totalidad- con el manejo del diafragma (del f/stop o “pasos”). Así, un número bajo en el f/stop (desde … hasta el 1.8) determinará que la imagen no tenga un gran valor de textura, por otra parte un número f  mayor carga de textura a la foto (el punto de equilibrio total de textura es el 5.6, cuando pasamos este número empezamos a hacer que los negros se marquen más, se fundan, se provoca un efecto como “apastelado”, que puede muy bien funcionar). Además la función de este número f (en video que es lo que nos ocupa) es el de evitar el ruido en la foto, en las zonas oscuras, y el efecto de quemado en las zonas claras.

2. El color siempre será un aspecto importante en lo fotográfico, pues determina, a partir de nociones plásticas, la composición y conceptualización fotográfica. Cuando trabajamos en cine o video, el principal problema es el tema de los colores en la toma general, es decir, son necesarios (aprentemente) muchos filtros para conseguir tonalidades en el proyecto. Bueno, pues aquí un tip para el tema -color-: hacer el whitebalance (balance a blanco) sobre un fondo de color, ya iluminado con las luces definitivas, haciendo un estudio de colores complementarios, véase círculo cromático.

5 Breves minutos de cine.

1 diciembre, 2010 Deja un comentario

Únete para comentar del cine. ¡Todo cine! 1 de Diciembre 6:00 pm

 
Entraquí

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